80´s

Géneros musicales (mixes styles):
Funk, Nu Disco, Disco, House, Soul, Dance, 80s, Edit, Re-Edit, Disco, Hi Energy, House, Remix, 70s, Deep House, Boogie, Pop, Re-edits, Club, Italo Disco, NuDisco, Funky House.
By Eduardo Benítez
¨SUBELE AL RADIO AUNQUE TRUENEN LAS BOCINAS¨

El Estilo

El Estilo

ROCK EN ESPAÑOL (ROCK EN TU IDIOMA)


Caifanes

Más allá de los hits, muchas de sus canciones han acompañado a los fans en momentos importantes de sus vidas. En mi caso, “Estás Dormida” me recuerda a mi madre; “No Dejes Que” a aquellas tantas noches entre amigos con cerveza en mano, gritos descarnados y la vida por delante; “Será Por Eso” a Ricardo quien se perdió entre caminos oblicuos y, ahora, creo que hasta tiene un hijo; “Perdí Mi Ojo de Venado” y el cover de aquella banda llamada Renton.
Altares que incendiaron todo recuerdo pero que al final dejaron un nicho, invocando fuerzas que jamás entenderás.
Me atrevo a decir que Caifanes es la más alta causa del rock en México. Con su sonido establecieron las auténticas raíces de la música surgida en nuestro territorio. En su lírica hay una especie de poesía maldita que salía del barrio, de las cloacas, de la enfermedad, de la soledad y del escarnio por la ruda autoridad. La desinformación.

Cuenta la leyenda que un poeta en una taquería le escribió una frase a Saúl Hernández y Sabo Romo después de observarlos con su ropa negra y melenas tipo The Cure: “Préstame tu peine y péiname el alma”. Y, así, el tiempo nunca se detuvo; seguimos perdiendo el cabello pero ganando recuerdos. 30 años después de su primera noche, Caifanes sigue siendo ese gato pardo que maúlla tratando de llenar un vacío. Vivirán por siempre

Genero gran  audiencia y estilo que hasta la fecha  no se ha podido olvidar las personas que somos fervientes conocedores de la música ochentera fue  entre 1978 y 1986 que surgió en Latinoamérica por primera vez el fenómeno denominado Rock en español. Por primera vez la industria musical ve al rock latino como un producto atractivo debido a Soda Estéreo demanda de la población latinoamericana por escuchar rock en su lengua influenciada tremendamente por el fenómeno musical que se estuviera dando en España desde principios de los 80s denominado “La Movida madrileña”, quien diera vida a bandas como Los Toreros Muertos, Nacha Pop, Radio Futura, Alaska, El último de la Fila, Los Enanitos Verdes, Presuntos Implicados, La Trinca, El Pecho de Andy. Pronto surgirían otras bandas como Héroes del silencio, los Hombres G, Cómplices, La Unión, Olé Olé, Timbiriche anqué ya era considerado un grupo 100% Mexicano pero que despunto como genero popero en la juventud de más de un millón de seguidores tan solo en le D. F México, Menudo de Puerto Rico y que era un fenómeno musical durante la década ochentera, los Chicos de donde posteriormente saldría un gran exponente Chayane. Ricky Luis, Raúl Porcheto, Lucero, Fandango, Pandora, Rocío Banquels, Daniela Romo Laura Flores, Yuri, Manuel Mijares, Emanuel, Laureano Brizuela, Pablo Ruiz, Luis Miguel, Cristian Castro, Ivan, Lucia Méndez, Víctor Manuel y Ana Belem, Patsy, Sasha Sokol, Karina, Verónica Castro, Coque Muñiz.        Por mencionar solo algunos de estos grandes.


Así, siguiendo los pasos de sus contrapartes Españolas pronto en Latinoamérica se formaron bandas musicales como Miguel Mateos y Zas (quienes por cierto se convierten en los pioneros de dicha oleada apoyados por la multinacional BMG Ariola hoy Sony Music), Charly García, G.I.T., Virus, Soda Stereo, Los Enanitos Verdes, en Argentina; y Los Prisioneros en Chile etc., quienes servirían como apoyo e inspiración para bandas que se volvieran íconos en México tales como Caifanes, Maldita vecindad y los hijos del quinto patio, Café Tacuba, Bon y los Enemigos del Silencio, Fobia, Maná, entre muchos más, quienes firmaron con sellos discográficos multinacionales especialmente BMG Ariola y Sony Music y  propusieron el nombre de rock en tu idioma para denominar a los nuevos exponentes del new wave latinoamericano.

El fenómeno continuó y creció a un nivel sin precedentes y rápidamente otras disqueras se unirían al concepto y aparecerían incluso otros términos similares como “Rock en castellano” o “Rock con ñ”, sobreviviendo con el paso del tiempo solamente el de “Rock en Español” y el sello inconfundible de Rock En Tu Idioma.
En 1997, bandas que ya vendían dentro de sus países un número considerable de álbumes empezaron buscar la internacionalización, lo que permitió que las grandes disqueras globales firmaran para promoción a nivel Latinoamericano a muchas bandas que hasta ese entonces se popularizaban unicamente en sus países.


Entre los primeros artistas que buscaron esa internacionalización están:
Charly García, Soda Stereo, Andrés Calamaro, por Argentina. Héroes del Silencio, Radio Futura, Hombres G, por España. El Tri, Caifanes, Cafe Tacuba, Maná por México.Ante el buen resultado comercial que tuvo el Rock en Español las disqueras siguieron promocionando una nueva generación de artistas, de los cuales muchos gozarían de mayor credibilidad musical.
 Al mismo tiempo el heavy metal tomaría gran fuerza en todo el mundo y México no sería la excepción. Bandas como Huizar , Sedición, Interfaze o Tranzmetal comenzaron a componer desde la clandestinidad metal hecho en español.

Esta época también tiene a Rodrigo "Rockdrigo González como una leyenda del blues y el rock urbanos en México.



Fue miembro fundador del movimiento rupestre, un núcleo de artistas que surge ante la falta de recursos económicos para hacerse de instrumentos electrónicos pugnando por la utilización de guitarras acústicas y armónicas.
Las letras de sus canciones hablan de la realidad y de los sueños y se convertirían en un referente de la nueva ola de rock mexicano hasta su muerte en el terremoto que desoló Ciudad de México en septiembre de 1985.
Afuera de la estación del metro Balderas (nombre de una de sus canciones más famosas) existe una estatua en su recuerdo. Uno de sus mejores discos El profeta del nopal.



En este periodo el rock mexicano encontraba un nicho comercial con la campaña de la multinacional BMG Rock en tu idioma, un recopilatorio de bandas españolas, argentinas y mexicanas que vio nacer a nuevos grupos con personalidad propia, ahora ya en un plano mucho más visible.

Este proceso de más de 50 años de evolución musical dio como resultado a bandas que ya encuentran éxito comercial y al mismo tiempo mantienen un sonido de calidad.

Grupos como Molotov, Café Tacuba y Cecilia Toussent artistas de suma importancia desde la década de los noventa hasta nuestros días deben su existencia a discos como El circo o Dug Dugs y a músicos como Jaime López, Javier Batiz o Johnny Laboriel, todos ellos de alguna u otra forma, miembros del panteón del rock mexicano.

Caifanes, Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, Los Amantes de Lola, Fobia, Ritmo Peligroso y Rostros Ocultos gozaban de una popularidad sin precedentes.
Maldita Vecindad fue uno de los primeros grupos de rock latinoamericanos en fusionar ska, reggae y música tradicional de su país.













Recuerdos de las Épocas Musicales

70´s 80´s y 90´s
En lo que respecta al género, la década de los 70 fue la de mayor trascendencia y creatividad, en cuanto a composiciones se refiere, en la historia musical.

El Rock
Op´s
Además de la creación de nuevos derivados de estilos que ya eran conocidos, los artistas le proporcionaban al género su propia imagen, utilizando elementos como la vestimenta y la estética. Durante esta década, varias bandas formadas en los 60 empezaron a surgir de manera más comercial, abriendo paso y carrera, e influenciando a otros artistas de esta generación. Grupos como Black Sabbath y Deep Purple empiezan a sentar las raíces del heavy metal con sus discos Paranoid y Machine Head. Por otro lado, Queen se posiciona en los primeros lugares gracias a su estilo, que poseía mezclas entre el glam rock y el hard rock. El tema Stone Cold Crazy es considerado como el primer single de thrash metal de la banda. Años más tarde empiezan a surgir bandas (tales como los Stooges, y los Runaways, entre otros) que serían como la antesala a los grupos punk que nacerían años más tarde. Mientras Yes, King Crimson y Pink Floyd llevaban el rock progresivo en sus melodías, Alice Cooper, Sweet y T.Rex conformaban lo que se denominaría como glam rock, división con la cual, a través del maquillaje y el mismo aire del rock de los 50 influirían grandemente a todos los posteriores géneros. Alice cooper - Uno de los referentes del glam rock mundial. Aerosmith no descansa durante este periodo y empieza a ganar mayor popularidad con el correr de los años. La mítica banda AC/DC empieza a pisar terreno desde Australia, mientras que en Inglaterra, Motörhead se impone con un estilo rápido y parecido a lo que sería después el thrash. El heavy metal genera bandas como Nazareth, Rainbow y Judas Priest. También el punk (luego de que Iggy Pop, The Dictators y Misfits aparecieran) va sumando nuevos referentes como Sex Pistols, The Clash y  The Ramones; caracterizados por temas breves y con acordes fácilmente manejables.

Símbolos Géneros y Leyendas
Op´s

Luego de que el movimiento empezara a decaer, aparecería el new wave con referentes como U2, Talking Heads y The Police (esto se daría a finales de la década). En los temas se notaba cierto parecido con el rock de la década pasada, donde se utilizaba mucho el blues.También surge el post-punk con Joy Division,The Cure y Gang of Four, entre otros (obteniendo mayor popularidad a comienzos de los 80). The-police - Una de las bandas precursoras del new wave. La otra cara del rock es descubierta en Europa gracias a grupos que utilizaron elementos del glam rock y el punk como estilos interpretativos; el gothic rock y el death rock. De entre ellos se puede nombrar a The Sisters of Mercy, The Damned y The Mission. A finales de la década, el rock se juega con la electrónica en bandas como Throbbing Gristle y KMFDM; así es como empezaría el rock industrial. The Eagles se convierte en uno de los grupos soft rock de la década al igual que America que usaba mayormente el folk como elemento. Ya a finales de la década se viene una oleada de heavy metal británico, tanto de Gran Bretaña como de Inglaterra y el Reino Unido. De entre los grupos se pueden mencionar a Def Leppard y a Judas Priest, entre otros.
Más tarde a finales de los 70 y comienzos de los 80 nace el rock neoprogresivo, derivado del progresivo. el cual poseía varios elementos emocionales en las letras, acompañadas de una temática musical oscura y prolija.
Grandes Exponentes del Rock
 Op´s





WHAM

La historia de Wham comenzó en el lejano 1975, cuando los entonces treceañeros Andrew Ridgeley y Georgios Panayiotou se conocieron en la Bushey Meads Comprehensive School. Los dos adolescentes se hicieron amigos en el acto, al descubrir que tenían en común una gran pasión por la música. Cuatro años más tarde fundaron su primera banda: Executive. Como género musical, eligieron el ska, que convirtieron en música de fondo de las noches de los diversos locales en los que actuaban. Además de Andrew y Georgios, Executive estaba formado por David Austin, Andrew Leaver y Paul Ridgeley, hermano de Andrew. Pero el grupo no conseguía funcionar, y se disolvió tras tan sólo dieciocho meses de actividad.

Sin embargo, Andrew y Giorgios siguieron juntos y grabaron algunas maquetas que enviaban periódicamente a las compañías discográficas. Pero, su situación no mejoraba: Ridgeley estaba desocupado, mientras que Georgios (que por entonces comenzó a hacerse llamar por el seudónimo de George Michael) no conseguía nada mejor que algunos trabajos temporales. Ambos frecuentaban el movido mundo de los night clubs londinenses, y fue precisamente en uno de estos locales donde decidieron formar Wham, para escribir, poco después, el tema ‘Wham rap! (Enjoy what you do?)’, inspirándose en el enloquecido mundo nocturno londinense de principios de los ochenta (era en 1981).
En 1982 obtuvieron el tan esperado contrato gracias al interés de Mark Dean, ex empleado de Phonogram, por entonces patrón de la pequeña compañía discográfica Innervision. Grabaron su primer single: se trataba de ‘Wham rap! (Enjoy what you do?)’, producido por la compañía Morrison/Leahy. El disco pasó casi inadvertido, sin ni siquiera llegar a meterse entre los primeros cien puestos de las listas.
En octubre salió un nuevo single, ‘Young guns (go for it)’, que en dos meses alcanzó el tercer puesto de las listas inglesas, ayudado, en parte, por una aparición del dúo en el popular programa televisivo "Top of the pops". Refortalecidos por este éxito, Wham iniciaron 1983 con la reedición de la poco afortunada 'Wham rap!', que esta vez llegó al octavo puesto de las listas nacionales, seguida a pocos meses por 'Bad boys' (primer tema firmado solamente por George Michael), que en mayo llegó al segundo puesto de las listas. El tema estaba acompañado de un vídeo en blanco y negro que el propio George Michael definiría como el punto más bajo de su carrera artística.
El año 1983 también es el año del primer álbum de Wham. El disco, titulado 'Fantastic', alcanzó, en pocas semanas, el primer puesto de las listas británicas. Entre tanto llegó el cuarto single del dúo: 'Club Tropicana'. Era la consagración de Wham en los altares del éxito, al menos a nivel nacional. Una afortunadísima gira, iniciada en el mes de agosto (tras el regreso de George de Alabama), vino a confirmar todo esto. En Alabama, George había decidido grabar 'Careless whisper', su primer single en solitario, pero las sesiones de prueba no habían dado los resultados esperados, por lo que todo quedó pospuesto para después de la gira. Wham comenzaron 1984 con una pequeña gira de promoción por Japón.

En abril, Andrew y George firmaban un sustancioso contrato con Epic, que desde entonces se convirtió en su nueva compañía discográfica. La primera joya que el ya popularísimo dúo brindó a sus nuevos productores fue ‘Wake me up before you go go’, inspirada en una notita que Andrew le había escrito a George ("despiértame antes de marcharte"). En brevísimo tiempo, la canción alcanzó el primer puesto de las listas inglesas, y en diez semanas también llegó al primer puesto de las americanas. Finalmente, en agosto, George grabó ‘Careless whisper’.
No hace falta decirlo: el éxito fue enorme. El tema alcanzó de inmediato el primer puesto de las listas y vendió más de un millón de copias, con lo que hizo ganar un disco de platino a George, que había dedicado este tema a sus padres: "5 minutos para agradecer 21 años". El single ocupó los primeros puestos de las listas de todo el mundo durante los siguientes seis meses.
El año 1984 se cierra con la publicación de su segundo álbum, titulado ‘Make it big’, que consiguió un éxito fenomenal, alcanzando en el acto el primer puesto de las listas británicas y estadounidenses. También comenzaron con gran éxito el año 1985, destacándose el hecho de que fue el primer grupo pop de la historia que recibió una invitación para actuar en China.
Sin embargo, algo se estaba deteriorando entre ellos. Michael comenzaba a adquirir una creciente autonomía en el campo musical, cantando a dúo con artistas como Stevie Wonder, Smokey Robinson y Elton John, mientras que Andrew parecía desinteresado por su futuro. En realidad, Andrew y George ya habían decidido, en privado, que sus caminos deberían separarse al año siguiente. Así llegó 1986. En abril George Michael lánzó su segunda balada en solitario, ‘A different corner’. El single llegó a los vértices de las listas internacionales, pero los fans del dúo no tenían motivos para estar alegres: Andrew y George habían hecho pública la noticia de su separación. Como en todo acto de su carrera, también su separación mereció tener un grandioso marco.
¡Y así lo hicieron! Para despedirse de sus queridísimos fans, Wham organizaron, el 28 de junio de 1986, un concierto como fiesta de despedida, en el estadio de Wembley, al que asistieron 72.000 espectadores.


Van Halen

Supieron agregar un gusto muy especial a su iconografía: la descarada tendencia de Roth a adoptar posturas provocativas y sexualmente explícitas, se convirtió en una marca distintiva, que, unida a sus originales y coloreadísimos atuendos, lo hacían aún más reconocible. EI grupo tenía al mundo en sus manos: geniales, simpáticos y potentes, sólo podían destruirse ellos mismos, y así sucedió. Con la aparición de su álbum, 'Women and children first' (1980) todas las promesas se vinieron abajo; el disco era demasiado autoindulgente y contrastaba excesivamente con sus impecables actuaciones en directo.



Con el cuarto, 'Fair warning' las cosas mejoraron, pero las comparaciones con el disco de debut siempre resultaban a favor del viejo producto; el mismo álbum que había decretado su fortuna se estaba convirtiendo en un incómodo test. El resbalón llegó con 'Diver down', título acertado para una banda que había triunfado demasiado rápido. Cuatro versiones en un mismo álbum parecen más una señal alarmante de falta de inspiración que un homenaje a los clásicos. Ante las mil dudas suscitadas por una experiencia de este género cabe preguntarse si el bienestar y la inmensa aceptación que habían obtenido originaron la pérdida de los estímulos esenciales para mantenerse "con hambre de notas".

Los dos años de silencio que siguieron fueron más bien una necesidad que una elección; David Lee Roth parecía cada vez más comprometido en una personal búsqueda de nuevas formas de maravillar a toda costa para satisfacer su propio ego. Tras escribir el guión de una película que él mismo debía protagonizar, se dedicó a la grabación de un álbum en solitario; mientras tanto, los otros Van Halen se tomaban un período de merecido descanso y reflexión. Pero antes de 'Crazy from the heat', el disco en solitario de Roth, debía ver la luz '1984', testamento musical de la formación original de Van Halen, quizás el álbum más maduro y logrado desde los tiempos de 'Van Halen'. Un inesperado desarrollo de los intereses de Eddie respecto a los teclados dio vida a temas, fáciles sólo en apariencia, que señalaban otra etapa en la evolucion del pop metal de categoría. 'Jump', 'Panama' y 'Hot for teacher' eran canciones de esqueleto descarnado, pero equilibradísimas, pequeñas joyas del género. Al mismo tiempo, el uso bien calibrado del vídeo, con autoironía, sexo e instinto de discriminación en su justa medida, hacían de los clips de Van Halen quizá los vídeos mejor logrados por una banda heavy.
La magia duró poco: disputas aparentemente insuperables entre los dos líderes naturales, Eddie Van Halen y David Lee Roth, empujaron a este último a escoger un camino diferente para formar su propia banda. Un año y medio después los tres Van Halen anunciaban a la prensa que Sammy Hagar sería el sustituto de David. La decisión era verdaderamente sorprendente: David era un aullador, un animal de escenario que extraía la mayoría de sus impulsos de los estímulos sexuales, y Sammy era un cantante de hard/rock cuyas tendencias melódicas, empero, se acercaban precisamente al desarrollo que Eddie habría querido dar a su música. Tanto Hagar como Van Halen tenían una cosa en común: ambos habían debutado con un álbum de éxito.
En 1986, Sammy y sus enseguida rebautizados Van Hagar (sólo irónicamente, claro) lanzaron su primer gran éxito en single, una canción aún más afortunada que 'Jump'. Era 'Why can't this be love', que decretaba el éxito de una fórmula que pocos habían llevado a buen término. '5150', el título del álbum, tomaba el nombre de unas siglas usadas por la policía de Los Ángeles para definir en su jerga a un individuo peligroso, y, al menos en apariencia, la nueva encarnación de Van Halen tenía todo el aspecto de serlo: el natural instinto melódico de Hagar y sus solos mesurados se acoplaban bien a los nuevos intereses de un Eddie Van Halen no muy deseoso de mostrar al mundo su indiscutible supremacía técnica y de gusto.
Pero la hermosa fábula estaba destinada a durar poco: ya con 'OU 812' la formación daba señales de un entendimiento imperfecto. El álbum, publicado en 1988, aunque contaba con un trabajo de producción brillante, era sólo un buen disco; la historia se repetía. Aunque el álbum llegó alto en las listas estadounidenses, el progresivo alejamiento de sus viejos fans se convirtió en una espera de mejores tiempos para ambos.
Cuando Steve Vai (quizás el único hombre capaz de destronar a Eddie) abandonó a Roth para unirse a los Whitesnake de David Coverdale, se desataron los rumores; pero ¿existen posibilidades de que Van Halen, tras haberse "mofado" con el título de su elepé "OU 812" (que leído en inglés puede significar "Oh you ate one too") del primer álbum en solitario de Roth, 'Eat them and smíle', tras haberse pinchado durante años, tras haberse declarado la guerra en las listas, acaben por volver a reunirse con su formacion original?
En 1988, mientras la espera continuaba, Roth publicó 'Skyscraper'.








DIANA ROSS
En 1979 publicó un inmejorable álbum de buenas canciones producido aún por la pareja Ashford & Simpson y titulado 'The Boss'. En 1980 llegó otro gran éxito, el álbum 'Diana', producido por la inspirada pareja de Chic, Nile Rodgers y Bernard Edwards. 'Diana' permaneció en las listas de éxitos de Bilboard durante todo un año gracias a temas como 'Upside down', 'I'm coming out' y 'My old piano'. En 1981 le llegó el turno a 'Endless love', tema principa de la película homónima de Franco Zeffirelli, interpretado por la cantante junto a Lionel Richie: un clamoroso éxito en todo el mundo. Estos son los últimos golpes de Diana Ross firmados por Motown. Diana abandonó la firma de Berry Gordy, firmó con RCA (para Norteamérica) y con EMI (para el resto del mundo). En 1982 grabó 'Silk Electric', disco autoproducido por Diana, que también se convirtió en autora de sus propias canciones. De esta manera, se abrió una nueva fase en su carrera. Habiendo llegado a los cuarenta años, la cantante todavía luce con belleza y gracia: realiza muchas giras, reúne a un gran público en Central Park de Nueva York, graba videoclips maliciosos (como 'Muscles'), experimenta con lenguajes modernos, no echándose atrás ni siquiera ante el sonido "disco", y funda Diana Ross Enterprises para invertir sus grandes ganancias. Los discos de los años ochenta oscilan un poco en lo referente a calidad y éxito, pero hay títulos muy interesantes: 'Swept away' (1984), 'Red Hot' (1987) y 'Working Overtime' (1989). A Diana Ross sólo le queda administrar de la mejor manera posible su inmenso patrimonio artístico y económico, tal vez recuperando algo de aquel espíritu Supremes que ella supo encarnar tan bien muchos años atrás.


GLORIA ESTEFAN
En 1977, el grupo lanza su primer LP titulado 'Renacer/Live Again' el cual le trajo su primer éxito titulado 'Renacer' que figuró durante 16 semanas en el puesto Nº 1 de las principales canciones latinas (Top Latin) de la publicación Billboard. Gloria y Emilio se casaron en 1978, adoptando según la ley estadounidense el apellido de su esposo. En 1980 nació el primer hijo de la pareja, Nayib Estefan. Ese mismo año, falleció el padre de Gloria. También en 1980, comenzaron a publicar sus primeros trabajos como ‘Renacer’, ‘Miami Sound Machine’ e ‘Imported’. En estos discos se mezclaban sonidos latinos con letras en español y en inglés. En 1981 la disquera CBS les ofreció un contrato con el que se dieron a conocer por toda Latinoamérica y publicaron varios discos más con la agrupación Miami Sound Machine. En 1984 sale el disco 'Eyes of Inocence' del cual se extrajo el tema 'Dr. Beat' el cual fue éxito a nivel mundial ganándose, de paso, al mercado del Reino Unido. En 1985 se lanzó 'Primitive Love' de donde salió el tema 'Conga'. El álbum fue tan exitoso como el anterior. Gracias a este álbum Gloria gana dos premios American Music en 1986. En 1987 se lanzó 'Let it Loose', el cual obtuvo el puesto 101 entre los mejores discos de la historia realizados por una artista femenina. Los singles «1-2-3» y «Rhythm is Gonna Get You» lideraron el primer lugar en el listado US Hot Latin Tracks y el sencillo 'Anything For You' llegó a la posicion número 1 en el listado Hot 100 de la publicación Billboard.


ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA
Los conciertos de la época eran montajes de lo más faraónico que se pueda imaginar con una alucinante astronave (la misma que aparece en las portadas) dominando la escena: 'Shine a Little Love', 'Sweet talkin' woman', 'Mr. blue sky', 'Don't bring me down' fueron algunas de las canciones lanzadas en estos dos fabulosos años en los que ELO se hallaba en la cumbre del show business. Pero el paso de una década a otra impuso cambios drásticos: la aspereza y el rigor del punk dictaban nuevas reglas y el triunfalismo sonoro y espectacular de ELO resultaba algo kitsch. El álbum 'Time' (1981) no convenció del todo. Tampoco el siguiente 'Secret messages' (1983), a pesar de mantener los habituales niveles de profesionalidad y habilidad, consiguió recuperar el encanto de los anteriores. De 1980 en adelante Jeff Lynne se vio cada vez más envuelto en proyectos de producción que aprovechaban su prodigiosa sensibilidad comercial. Compuso la banda sonora de la película Xanadú con Olivia Newton-John, produjo el single 'Slipping away', de Dave Edmunds, y colaboró con George Harrison en el álbum 'Cloud nine'. Precisamente George representó para Lynne la culminación de un sueño: ¡trabajar con uno de sus mitos y aparecer en la portada como coproductor! Este sueño tuvo continuidad; en 1988, de nuevo junto a Harrison, Lynne participó en el proyecto Traveling Wilburys: el supergrupo también está formado por Bob Dylan, Tom Petty y Roy Orbison. En 1989 vuelve a trabajar con Tom Petty produciendo, componiendo y tocando en su nuevo álbum, 'Full moon fever'. Un futuro dorado parece aguardar a Jeff Lynne: poco trabajo, bien escogido pero de inmejorable calidad.


INXS
Finalmente, un día decidieron llamarse INXS, contracción de "in excess". Tras un año viviendo así, el grupo decidió volver a Sydney, donde grabaron y publicaron para una pequeña compañia independiente el single 'Simple Simon', que en 1980 se convirtió en un buen éxito local gracias a las emisiones radiofonícas. En el mismo año publicaron su primer álbum homónimo, seguido, en 1981, por el segundo, 'Underneath the colours'.
En esta época el sonido del grupo era muy brusco, en parte a causa de la natural inexperiencia de los jóvenes músicos y en parte por la influencia que la new wave inglesa, hecha de sonidos desgarrados y coros psicodélicos, ejercía sobre ellos. Con la canción 'Just keep walking', obtuvieron un óptimo éxito de ventas y fueron contratados por Mercury.
En 1982 se les abrieron las puertas de los mercados americano y británico gracias al álbum 'Shabooh Shoobah'. En 1984 publicaron el álbum 'The swing', producido por Nile Rodgers, que contenía el tema 'Original sin': una melodía agradable y unos arreglos obsesivos transforman a esta canción en un gran éxito constantemente emitido por las más importantes emisoras de radio americanas. Siguiendo la estela de este éxito, INXS participaron en el "Live Aid" en julio de 1985, con una conexión vía satélite con Sydney. Su popularidad quedó definitivamente establecida con la emisión de sus videoclips en la programación de la MTV.
Para sus vídeos, INXS recurrieron a directores famosos ('The time' es realizado por Godley & Creme) y contaron con la atractiva presencia escénica de Hutchence, al que siempre se le ocurre algo para su interpretación: su madre es una famosa maquilladora del cine australiano, y él mismo ha interpretado un pequeño papel en la película 'Dogs in space', del director Richard Lowenstein.
En 1986 grabaron 'Listen like thieves', que conquistó numerosos discos de oro y de platino en todo el mundo, y, en 1987, 'Kick', álbum que contiene material de una gira mundial de más de un año y medio de duración. Al final de esta gira, el grupo se retiró a reflexionar: "Cuando se llega a la cima, como lo hemos hecho nosotros, lo mejor que se puede hacer es largar todo y volver a empezar de cero con otra idea, quizás incluso con otro nombre". Son palabras que permanecen en el misterio hasta que llega a las tiendas de discos el álbum 'Max Q', un disco de rock sin novedades particulares y poco apreciado por el público.

Grandes de los 80´s


CHEAP TRICK
Aprovechando el buen momento, el grupo publicó un nuevo trabajo de estudio, 'Dream police'. En este punto consagrados por el público y la crítica, Cheap Trick se "vengaron" de quienes, unos meses antes, habían hablado de ellos como "un anónimo cuarteto con injustificadas pretensiones". En realidad, su música es mucho mejor de lo que se puede apreciar tras una escucha superficial, con claras referencias a todos los grandes de los años sesenta; como demuestran las sensacionales versiones que hicieron de temas de The Beatles. Rick Nielsen se convirtió en un cotizado músico de estudio y ha colabórado con Alice Cooper, Hall & Oates y John Lennon, entre otros.

En 1980 apareció un Ep con algunos temas inéditos y otros en directo, titulado 'Found all the parts'. Asfixiado por la personalidad de Zander, tras la publicación de 'All shock up' (1981), Petersson abandonó la banda, siendo sustituido primero por Pete Comita y después por Jon Brant. Después de 'One to one' (1983), un disco arrollador, comenzó el declive de Cheap Trick. Con sus siguientes álbumes, 'Next position please' (1983), 'Standing on the edge' (1985, producido por Jack Douglas) y 'The doctor' (1986, producido por Tony Platt), su fama sufrió un fuerte bajón. Sólo con el álbum, 'Lap of the luxury' (1988), producido por Richie Zito, que marcó el regreso del bajista Tom Petersson a la formación, el grupo aumentó nuevamente su cotización.

New Order 
Fue un grupo inglés de rock, formado en 1980 por los miembros del disuelto grupo Joy Division. La versión temprana de New Order era fácilmente relacionable con el grupo anterior, pero enseguida encontraron un sonido característico, descrito como una fusión entre la música electrónica y el new wave o post punk. Estaba compuesto inicialmente por Bernard Sumner (guitarra, teclados y voz), Peter Hook (bajo) y Stephen Morris (batería). En 1981 se integró Gillian Gilbert (teclados; actualmente esposa de Morris), quien lo abandonó 2001, para cuidar el hijo de ambos, el cual padece una grave enfermedad. En su reemplazo ingresó Phil Cunningham, para hacerse cargo de los teclados y la guitarra. Son una de las bandas más importantes de la historia musical moderna e influyentes en la música popular de las dos últimas décadas. La historia comienza en Mánchester, en el año 1976, cuando Bernard Sumner (guitarra), Peter Hook (bajo), Stephen Morris (batería), e Ian Curtis (cantante), se reúnen con el nombre de Warsaw. Después cambian su nombre a Joy Division, evolucionando la música punk heredada por los Sex Pistols, creando lo que se llamaría post-punk. En 1980 Ian Curtis acaba con su vida, lo que significa el fin de Joy Division. Sus miembros deciden seguir haciendo música bajo el nombre de New Order, esta vez con la teclista Gillian Gilbert . New Order perteneció al sello discográfico Factory Records, propiedad de su amigo Tony Wilson. Cuando el sello cerró, la banda hallaría acomodo en London Records, donde permanecen actualmente. En 1981 editaron su primer álbum discográfico bajo el nombre de New Order, titulado 'Movement'. Después de muchos trabajos lanzan su canción más representativa, 'Blue Monday' que alcanzó éxito mundial. 

En 1989 lanzaron uno de sus mejores discos, 'Technique', donde encuentran un sonido tecno con una ligera mezcla del new wave y es considerado, junto al 'Happiness' de The Beloved, el disco que marca el cambio de la música de baile enfocada al hedonismo a la música de baile enfocada a la introspección. En 1993 publicaron 'Republic', escrito y producido junto a Stephen Hague y considerado por muchos su disco más accesible. Poco tiempo tras la edición se separaron para perseguir proyectos en solitario: Bernard Sumner junto a Johnny Marr de The Smiths formó Electronic, la excisión de más éxito comercial con tres discos y colaboraciones con Pet Shop Boys y Karl Bartos de Kraftwerk. Peter Hook formó Revenge, disuelta tras un disco y un par de EPs, para luego fundar Monaco junto a David Potts, publicando dos discos. Los miembros restantes, Stephen Morris y Gillian Gilbert formarían The Other Two, que publicó otros dos discos. Este paréntesis terminaría cuando se reunieron para tocar en el Festival de Reading de 1998, volviendo al estudio poco después para grabar 'Get Ready' en el 2001. En 2005, editaron su más reciente trabajo (ya sin Gillian Gilbert y con la inclusión de Phil Cunningham) titulado 'Waiting For The Sirens' Call'. En 2007 Peter Hook anuncia la separación del grupo -la cual sería desmentida más tarde por los demás integrantes- lo cual ha marcado una batalla de dimes y diretes sobre el futuro del grupo. Hook ahora se concentra en un proyecto junto a Mani de los Stone Roses y Andy Rourke de The Smiths llamado Freebass, y ocasionalmente hace presentaciones como DJ. Por su parte, Bernard Sumner anunció un nuevo proyecto llamado Bad Liutenant. En tanto, Morris regresó al estudio junto con su esposa Gillian para remezclar un par de canciones para el disco 'Year Zero Remixed' de Nine Inch Nails. Actualmente (2009), el futuro de la banda es incierto. Sin embargo, a finales de 2008 Warner Records re-editó los primeros albumes de la banda (el catálogo de la banda de Factory Records) en edición especial incluyendo en cada uno un disco extra con lados b, remixes y singles. En tanto, se cree que pronto habrá más material por lanzar de la banda, como los temas inéditos de las sesiones del 'Waiting For The Sirens' Call


Kool and The Gang
Gozan en esta década de una segunda juventud. En efecto, ya a principios de los años setenta Kool and The Gang eran estrellas de la escena funk, junto a artistas corno James Brown, War y Ohio Players. El grupo nació con el nombre de Jazziacs, en 1964, y estaba formado por algunos compañeros de escuela de Nueva Jersey: Robert "Kool" Bell, su hermano Ronald, Dennis Thomas y Robert Mickens. Su radio de acción se extendió en seguida a Nueva York. A los componentes originales del grupo, Kool (bajo), Ronald Bell (saxo tenor y soprano), Dermis "Dee Tee" Thomas (saxo alto, flauta y congas) y Robert "Spike" Mickens (trompeta), se les unieron Rick West a los teclados, Claydes "Clay" Smith a la guitarra y "Funky" George Brown a la batería y a la percusión. A pesar de la ausencia de un cantante solista, sus singles escalaron rápidamente las listas de éxitos; el primero en entrar, en octubre de 1969, fue 'The Gang's back again'. Un año después otros dos singles, 'Let the music take your mind' y 'Funk man', reforzaron su reputación de artistas capaces de fundir el jazz clásico con el pop. 
El esperado salto a la fama llegó en 1973 con el single 'Funky stuff', que se convertirá en un himno funky-soul en los siguientes años, abriendo el camino al futuro éxito comercial. El álbum que incluye 'Funky stuff', 'Wild and peacefull' (1974), destacó inmediatamente, gracias también a la presencia de dos nuevos temas en el Top Ten: 'Jungle boogie' y 'Hollywood swinging'. A pesar de no estar tan repleto de singles de éxito como el anterior, el siguiente álbum de 1974, 'Light of worlds', sigue siendo uno de los mejores realizados por Kool and The Gang. La balada 'Summer madness' fue incluida en la banda sonora de la película 'Rocky' (1976), mientras que 'Street corner symphony' es uno de los mejores temas funky de la época. A pesar de volver a colaborar con el cantante Don Boyce, que había popularizado 'Jungle boogie', el nuevo álbum, 'Spirit of the boogie', de 1975, no tuvo un gran éxito, y marcó el inicio de un período de tres años de escasa creatividad para el grupo. En efecto, 'Love and understanding' (1976) sólo contiene un tema que merezca ser destacado, 'Come together'; 'Open Sesame' (1976) apenas alcanzó los sesenta primeros puestos de las listas de éxitos, a pesar de contener una canción llevada a la fama por la película Fiebre del sábado noche. También pasaron inadvertidos 'The force' (1977) y 'Everybody's dancin'' (1979). Era una mala época para el grupo: tras un ascenso rapidísimo, el funky de Kool and The Gang se veía desplazado por la música "disco". Afortunadamente, tomaron la decisión acertada contratando como productor a Eumir Deodato, que en 1973 había adaptado 'Así habló Zarathustra' para la banda sonora de la película de Kubrick '2.001 Odisea en el espacio'. En 1979, apareció el nuevo single, 'Ladies night' que, guiado por la voz del cantante James "JT" Taylor (tocayo del cantautor blanco), llegó a la cima de las listas de éxitos de todo el mundo y permitió a Kool and The Gang obtener su tercer disco de oro. La dulce voz de Taylor era la que necesitaba el grupo, y éste cambió su estilo compositivo para adaptarse a él: menos armonías vocales y un mayor uso de la técnica coral de "llamada y respuesta", estratagema que hacía que los temas fueran mucho más bailables. 'Too hot' siguió la misma suerte que 'Ladies night'. Las discotecas de todo el mundo estaban a punto para acoger la música de Kool and The Gang, enriquecida por sus quince años de experiencia y por la técnica de Deodato en la producción: en 1981 se publicó el álbum 'Something special' por el que obtuvieron el premio a la mejor formación soul y funky estadounidense. De él se extrajeron tres grandes singles: 'Steppin' out', 'Get down on it' y 'Take my heart (you can have it)', éste último versioneado, un par de años después, por Robert Palmer. La carrera continuó en 1982, con la publicación del álbum 'As one', que, como el anterior, escaló el Top Ten americano y alcanzó el éxito en el resto del mundo. De él se extrajeron tres singles que tuvieron una gran acogida: 'Ooh la la la (Let's go dancin')', 'Hi de hi, de ho', que recibió, sin lugar a dudas, un gran impulso gracias al programa televisivo de la BBC "Hi de hi", y 'Big fun'. Había llegado el momento de ofrecer a sus fans una panorámica completa de los veinte años de carrera de Kool and The Gang: en 1983 apareció un álbum doble recopilatorio, 'Twice as Kool', que repasa los mejores períodos de la formación. Tras los primeros años ochenta el eco de los éxitos del grupo empezó a debilitarse y, a pesar de que no faltan de vez en cuando buenos momentos, es más fácil percibir su influencia funk en los trabajos de los innumerables músicos que se han inspirado en ellos. En 1988 salió un nuevo álbum, 'Everything's Kool and The Gang-Greatest hits and more', que presenta viejos temas al lado de nuevas canciones, que no añade nada nuevo a su abrasadora fórmula funk-soul.



AGRUPACIONES 80TERAS

La historia de Depeche Mode, una de las más famosas bandas británicas de electro-pop, se inició en Basildon, Essex, durante el verano de 1980. Vince Clark y sus compañeros de escuela Martin Gore y Andy Fletcher, tras haber formado parte de los desconocidos Composition of Sound, decidieron vender sus instrumentos tradicionales para proveerse de sintetizadores y dar vida a la aventura de Depeche Mode. Reclutaron a un cantante, David Gahan, y grabaron una maqueta que, sin embargo, no logró captar el interés de ninguna compañía discográfica. Depeche Mode se construyeron una sólida reputación como banda en directo gracias a una serie de conciertos en su ciudad natal, además de una gira por Inglaterra.
Stevo, líder de la compañía independiente Some Bizarre (la misma que lanzó a bandas como Soft Cell y The The), se dio cuenta de la capacidad del grupo y decidió incluir su tema 'Photographic' en una recopilación de "música futurista" titulada simplemente 'Some Bizarre Album' (febrero 1981). En el mismo período, Daniel Miller, líder de Mute Records, les ofreció un contrato por la grabación de un single, 'Dreaming of me' (febrero 1981), que les permitió alcanzar el puesto 57 de la lista de éxitos oficial inglesa y el tercero de una lista independiente de producciones consideradas "alternativas". El estimulante éxito de este primer single les convirtió en el centro de la atención. Numerosas compañías discográficas les ofrecieron contrato, pero Depeche Mode decidieron seguir en Mute, compañía que, a pesar de sus limitadas posibilidades económicas, podía garantizar al grupo la máxima libertad de expresión.
En junio de 1981, Mute publicó el segundo single, 'New life', y esta vez el éxito es inmediato: primer puesto en las listas independientes y 11 en la lista oficial. En los siguientes meses la popularidad del cuarteto de Basildon se consolidó gracias a la publicación del tercer single, 'Just can't get enough' (agosto 1981), que escaló el Top 10, además del primer álbum 'Speak and Spell' (octubre 1981), que alcanzó de inmediato el primer puesto de las listas independientes y el décimo de la oficial. Sin embargo, en diciembre de 1981, Vince Clarke, inesperadamente, decidió abandonar el grupo para dar vida al proyecto Yazoo (junto a la cantante Genevieve Alison Moyet, alias Alf), más tarde a Assembly (junto al ex Understones Feargal Sharkey) y por último a Erasure (junto a Andy Bell).
La deserción de Clarke, compositor y elemento distintivo de la banda, desorientó a sus compañeros que, de nuevo en trío, regresaron a la escena con uno de los singles más comerciales de su carrera: 'See you' (enero 1982), canción compuesta por el cantante, David Gahan, que tres meses después firmó también 'The meaning of love' (abril 1982), single que junto al siguiente 'Leave in silence' (agosto 1982), se convirtió en rampa de lanzamiento del segundo álbum, 'A broken frame' (agosto 1982). 'A broken frame' ayudó a Depeche Mode a afirmarse en toda Europa. Su pop electrónico, constituido por delicadas y "contagiosas" melodías sintéticas, siguió triunfando en 1983 gracias a los singles 'Get the balance right' (que señala el ingreso en la formación del ex Hitmen Alan Wilder) y 'Everything counts'.

En agosto del mismo año, Mute publicó el tercer álbum de estudio, 'Construction time again', disco que revela las primeras señales de una importante evolución, tanto musical (ritmos y soluciones sonoras más complejas) como de contenidos (letras más comprometidas, con más referencias a los problemas sociales). En octubre de 1983, extraído de este álbum, salió el single 'Love in itself', seguido al año siguiente, por los singles 'People are people' (marzo 1984) y 'Master and senvant' (agosto 1984), incluidos ambos en el álbum 'Some great reward' (septiembre 1984). Los juicios y en general las críticas de la prensa especializada a propósito de este último trabajo discográfico fueron inmejorables.
Su sonido se hizo más "industrial" y más agresivo e interesante, y también sus lirismos, antes un tanto frívolos, se volvieron más punzantes y agudos. El cuarteto de Basildon, visiblemente crecido, logró superar la definición de pop-band para adolescentes y conquistar un público más vasto y maduro. 1984 concluyó con la publicación de tres versiones diferentes del single 'Blasphemous rumours' (octubre 1984), el tercero extraído del álbum 'Some great reward'. Seis meses después Depeche Mode regresaron al mercado con el single 'Shake the disease' (mayo 1985), seguido en septiembre del single 'It's called heart'.
Mientras tanto, la grabación del nuevo álbum se retrasó más de lo previsto y Mute decidió burlar la espera con la publicación de una antología, 'The singles 1981-85', que recoge todas las caras A de los singles realizados por Depeche Mode. El quinto álbum, 'Black celebration', largamente esperado por el público y la crítica, apareció en marzo de 1986, precedido por el single 'Stripped' (febrero 1986), y conquistó la posición más alta jamás alcanzada por la banda en la lista oficial inglesa: el cuarto puesto. Los singles 'A question of lust' (abril 1986) y 'A question of time' (agosto 1986), ambos editados en tres versiones diferentes, completaron la producción de 1986 de Gahan y compañía.
El mismo año, Alan Wilder llevó a cabo un proyecto discográfico que le permitió realizar dos discos de carácter experimental ('1+2' , en 1986, e 'Hydrology', en 1987). La vena creativa de los cuatro muchachos ingleses no mostraba ninguna señal de estancamiento y, a pesar de su febril actividad en directo, su constancia discográfica en 1987 fue impecable. Según un esquema ampliamente ensayado, Depeche Mode realizaron dos singles, 'Strange love' y 'Let me down again', antes de editar un nuevo álbum: 'Music for the masses' (septiembre 1987). El álbum conquistó un envidiable décimo puesto en las listas inglesas, mientras que el single 'Behind the wehel' (diciembre 1987) no superó el puesto 24.
En 1988 Depeche Mode recorrieron el mundo en una gira de 101 días, denominada "concert for the masses". En el último concierto de la gira, el 18 de junio de 1988 en el Rose Bowl de Pasadena, la banda grabó un doble álbum en directo emblemáticamente titulado '101'. El álbum, junto al documental homónimo, rodado por el experto D.A. Pennbaker durante toda la gira mundial, rememora la etapa fundamental de la carrera del grupo y pone el acento en su popularidad y en la innegable originalidad de su música. Peculiaridades que han asegurado a Depeche Mode una presencia constante y relevante en el inmenso y variado panorama pop de los años ochenta.


THE CURE
El oscuro líder de la entidad gótica/post-punk llamada The Cure, llega hoy a los 56 años de edad. En las postrimerías de que el año que viene se cumplen los reglamentarios cuatro años para que The Cure lance un nuevo álbum, les tenemos algunos datos sobre Robert Smith que pueden no ser de utilidad pero sí son bastante entretenidos.
Justamente Smith se toma las cosas con mucha calma al respecto de las giras y grabaciones. De 1989 a 1992 le mintió a su compañía disquera que tenía pánico a volar en aviones para poder zafarse de sus compromisos en los tours. El cantante recuerda que hizo dos giras a Estados Unidos navegando en el Queen Elizabeth II, el cual encontró “bastante civilizado.”
El álbum de The Cure, Disintegration, fue rechazado originalmente por su disquera, Elektra Records pues acusaban a la banda de querer cometer “suicidio comercial premeditado” y que las letras de Robert eran “voluntariamente oscuras”. Este ambiente del disco vino a razón de que Robert Smith estaba pasando por una profunda depresión combinada con un excesivo uso de LSD. Para apuntalar el ambiente sombrío, dos adolescentes de un barrio cercano al estudio donde grababan, cometieron suicidio mientras escuchaban a The Cure. La banda recortaba las noticias al respecto y las pegaba en la pared del estudio durante la grabación. Finalmente el álbum mandó 2.7 millones de copias y convirtió a The Cure en una banda que llenaba estadios
Robert Smith formó una banda con Steven Severin, el bajista de Siouxsie and the Banshees, la cual fue llamada The Glove, grabando el álbum Blue Sunshine. La conjunción de estos artistas se dio cuando Robert Smith estuvo tocando con Siouxsie. Smith vivía literalmente en el suelo de la casa de Severin en lo que después llamó sus “vacaciones químicas”. La idea de ambos músicos fue hacer el álbum mientras experimentaban con la mayor cantidad de drogas a su alcance. Después de ello The Cure se fue de gira a Estados Unidos dos semanas y Robert Smith se dijo preocupado de no recordar absolutamente nada de ello
El papá de Robert, solía cantarle canciones de cuna inventadas al niño Smith. Segun recuerda todas invariablemente tenían un final horrible y atemorizante. “Eran algo como “duerme ahora dulce niño, ¡o no volverás a despertar!” De ahí vino la inspiración para su canción “Lullaby”.
Robert Smith es el único miembro constante de The Cure, la banda ha cambiado de integrantes en 11 ocasiones (y las que faltan todavía).
Cuando Smith estuvo en las filas de la banda de Siouxsie como guitarrista de apoyo mientras The Cure estaba en pausa, fue una experiencia que cambió completamente su panorama. “Al inicio quería que The Cure fuera como los Buzzcocks o Elvis Costello, los Beatles punk. Ser un Banshee realmente cambió mi actitud sobre lo que estaba haciendo.”
Robert Smith aborrece tanto a Morrissey que declaró que si Moz no comía carne, entonces él iba a comer toda la carne que pudiera, especialmente carne de cerdo que es su favorita.
Smith ha estado casado con su esposa Mary por 30 años, tiempo durante el cual la pareja jamás ha tenido hijos, ni quiere tenerlos nunca. “Estamos conscientes de lo que nos hemos perdido. Pero creo que esto ha sido más que compensado por mi capacidad de ser la misma persona con ella que cuando nos conocimos.”

El cantante siempre juró y perjuró que las canciones de The Cure jamás serían utilizadas en anuncios comerciales.



OLDIES 80´S




Tears for Fears

En 1983 salió su primer álbum, ‘The hurting’ produciéndose de inmediato el milagro: su empleo de la electrónica era calibrado pero envolvente, permaneciendo viva la atención a los sonidos tradicionales del rock, en una atmósfera entre épica y dramática. ‘Suffer the children’, ‘Pale shelter’, ‘Mad world’ y el gran éxito ‘Change’ son los singles que llevaron a Tears For Fears a la cresta de la ola.

La personalidad artística y musical del grupo resultaba indiscutible, aunque algunos críticos les acusaron de ocuparse demasiado en la elección de sus elecciones estilísticas. Sea como fuere, el álbum ‘The hurting’ llegó a vender más de un millón de copias, tras alcanzar la primera posición en las listas inglesas en marzo de 1983.
Su segundo álbum, ‘Songs from the big chair’, publicado en 1985 y producido, como el primero, por Chris Hughes, es una colección de canciones que demuestran su completa madurez y su técnica meticulosa y casi maniática. De este nuevo álbum se extrajeron varios singles que tuvieron un éxito excepcional: ‘Shout’ y ‘Everybody wants to rule the world’ llegaron al número uno de las listas americanas e inglesas. Entre 1985 y 1986, Tears For Fears partieron para una larga gira por EE.UU., al término de la cual el álbum también llegó a la cumbre de las listas, totalizando un récord de ventas de nueve millones de copias.


Precisamente durante su gira americana, Orzabal y Smith descubrieron su gran pasión por el soul y el rhythm and blues en un encuentro decisivo para su futuro. Recuerda Orzabal: "Habíamos visto a Oleta Adams tocando el piano y cantando en el bar de nuestro hotel después de un concierto en Kansas City. Acabábamos de tocar frente a miles de personas con una banda de siete elementos, pero lo que estaba haciendo Oleta provocaba mayor impacto emotivo que nuestro show. Habíamos venido de nuestro concierto con una cierta sensación de vacío y nos tropezamos con algo que podía hacer que un hombre se echara a llorar. Era más simple, pero mucho más eficaz".
Tears for Fears, en la cumbre de su éxito, con un álbum inteligente y muy comercial a la espalda, entraron a partir de entonces en una pequeña crisis creativa que les llevó a probar durante tres años nuevas soluciones para "rehumanizar" su música. Oleta, la cantante-pianista negra de Kansas City, fue invitada a colaborar en las grabaciones, que ocuparon años de trabajo. Tears For Fears también invitaron a otros músicos importantes, como Phil Collins, el bajista Pino Palladino y el batería Manu Katche. El resultado final, el álbum ‘The seeds of love’, se revela como una obra maestra. Con este nuevo álbum, publicado a comienzos de 1990, el espíritu originario del grupo encuentra una nueva colocación en un moderno soul enriquecido con citas a los Beatles (‘Sowing the seeds of love’), pero también con un rock-blues al estilo de Little Feat (‘Bad man song’), hasta la balada, toda alma, de ‘Woman in chains’, donde Roland y Curt cantan espléndidamente a dúo con Oleta.
El disco resulta, en suma, muy distinto de los anteriores y representa un ulterior paso adelante de su creatividad. "Sabemos hacer cualquier cosa. Cuando uno madura y se hace más experto no es necesario cambiar las ideas propias: son los métodos de expresión los que cambian. En nuestro caso, éste fue un definitivo comienzo de evolución".
El tercer álbum de Tears For Fears ha asombrado a todos los críticos que habían previsto un fin prematuro del grupo tras el éxito de ‘The hurting’. Los dos chicos de Bath han demostrado saber gobernar la fama conquistada, haciendo gala de una energía creativa que no tiene parangón en las generaciones de músicos nacidos artísticamente a principios de los ochenta.

En aquel período una de las preguntas que más solían plantear los periodistas a los miembros de Toto era sobre las posibilidades de compaginar su actividad como grupo y sus carreras individuales. "No sa bemos lo que pasará el día de mañana, pero cuando decidimos formar Toto nunca pensamos abandonar aquellas carreras que cada uno nos habíamos construido. Estamos contentos de tener un pie en cada sitio, aunque, quizás, en Toto tenemos que andarnos con mayor cautela".
Efectivamente, cada miembro de la banda alternaba su trabajo como componente de Toto y como músico de estudio para otros músicos. Salir de gira resultaba más problemático, pero el grupo marchaba bien. La amistad y su pasión común por la música los mantenía unidos sin problemas. En noviembre de 1978, Toto publicaron el álbum ‘Hydra’; en 1981, ‘Turn back’, y en 1982, ‘Toto IV’, el último de la formación original. Todos los álbumes y singles entraron en las listas y ocuparon los primeros puestos. Para el álbum ‘Isolation’ (1984) se incorporaron a la formación Fergie Frederickson y Michael Porcaro, mientras que para ‘Fahrenheit’ (1986) entró Joseph Williams como cantante.

‘Toto IV’ 

Obtuvo un éxito clamoroso, que le valió ganar el "Chrystal globe", premio asignado por CBS a sus artistas que logran superar los 8 millones de copias vendidas fuera de Estados Unidos. Además, con este álbum, Toto ganaron seis premios Grammy, entre ellos los más prestigiosos: al mejor álbum del año, y a la mejor canción del año, ‘Rossana’ (dedicada a la actriz Rossana Arquette, que fue novia de uno de los componentes del grupo).
En el álbum ‘Fahrenheit’ colaboran importantes músicos, como Don Henley, de Eagles, David Sanborn y el trompetista de jazz Miles Davis. David Paich recuerda: "Steve Lukather y yo habíamos escrito el tema ‘Don't stop me now’, y habíamos pedido a Davis que ejecutara un solo. Él quiso escucharlo primero y después le añadió su magnífico solo. Casi no podíamos creerlo: el divino Miles Davis se dignaba a participar en el disco de un grupo de rock. Increíble. Fue una de las alegrías más grandes de nuestra carrera".
El entusiasmo de los músicos también quedó reflejado en ‘The seventh one’ (1988), un álbum que tiene sus momentos más logrados en ‘Pamela’, ‘Arma’ y ‘Mushanga’. En 1989 Toto participaron como músicos de estudio en la reunificación de la formación original de Jefferson Airplane, renovando al nostálgico rock del grupo californiano. La banda también se ha hecho famosa en Europa: sus canciones son puntualmente emitidas por la radio y sus giras atraen mucho público, que sabe apreciar su música sincera, no muy original, pero vital y espectacular. El rock de Toto no abre nuevas fronteras, pero es fresco y divertido, propio de un grupo que primero aceptó la música como vida y después como profesión.



  
“A-ha”

El origen del nombre viene del título de su primera canción ("Nothing To It"). Después de buscar en el diccionario, en distintas lenguas, encontraron que a-ha era una palabra de carácter internacional, corta, que connota positividad, y que nadie se había atrevido a usar como nombre propio.
Al poco tiempo de constituirse como banda, los integrantes deciden dejar Noruega y mudarse a Londres para realizar su carrera en un mercado musical más grande. Es así como escogen el estudio del productor John Ratcliff para grabar sus primeros demos.
"Take On Me" (lanzada en 1984) fue la primera canción que la banda dio a conocer. En ese entonces, la canción llevaba el nombre de "Lesson One". Sin embargo esta versión de la canción no alcanzó popularidad y tan solo vendió la mínima cantidad de 300 copias. Sin embargo, después de varias re-ediciones y dos lanzamientos fallidos, sale a la venta el disco “Hunting High and Low" que incluía la nueva versión de “Take on Me" y se convirtió en un hit en el mundo entero en 1985. No sólo la canción fue un éxito, sino que el innovador video dirigido por Steve Barrons cautivó a miles de jóvenes. Esta última re-edición del single logró vender en una semana un millón y medio de copias, ubicarse en el puesto número uno en la lista Billboard de los Estados Unidos, y en el puesto número dos en los charts ingleses por varias semanas, dejando en el olvido el anterior fracaso.
1986 fue un año sumamente venturoso para la agrupación pues el video de “Take on Me” ganó 6 categorías de los premios “MTV Video Music Awards", a su vez, también fue nominado como mejor video del año en los “American Music Awards”. De igual manera a “Take on Me”, el single "The Sun Always Shines on T.V." logró escalar en la lista Billboard hasta el puesto 20, y alcanzó la posición 17 en los charts radiales. Además, el video clip de esta canción ganó 2 categorías de los premios “MTV Video Music Awards”. A-ha culminó ese año con la nominación al Grammy por mejor nuevo artista.
El segundo disco de A-ha fue editado en 1986 bajo el nombre de “Scoundrel Days”. En 1987, grabaron una canción para la película “The Living Daylights” (una de las sagas de James Bond).
En 1988, sacan el álbum “Stay on These Roads”, el cual no tuvo mucho éxito comercial; posteriormente, en 1990, graban el disco “East of the Sun, West of the Moon” y tres años más tarde aparece el LP “Memorial Beach”.




Queen

Banda de rock británica que gozó de gran fama desde mediados de los setenta y durante toda la década de los ochenta; la espectacularidad y dinamismo de sus actuaciones y la asimilación al rock de tendencias jazzísticas, sinfónicas y operísticas fueron algunas de las claves de su éxito, tan abrumador que sus discos fueron superventas incluso después del fallecimiento en 1991 de su líder, el cantante Freddie Mercury. Creado en 1970, el grupo estuvo formado por Freddie Mercury (voz), Brian May (guitarra), Roger Taylor (batería) y John Deacon (bajo).
El álbum Jazz (1978) vino a iniciar una época de transición en la que las giras vinieron a salvar el grupo de lo que parecía una crisis creativa. En 1979 se editó el directo llamado Live killers. La marcha de Roy Thomas Baker de los controles contribuyó en 1980 a que prosiguiese la evolución del grupo, tal como se evidencia en The game (1980). Ese mismo año Queen tuvo su primera experiencia en el cine, componiendo la banda sonora de Flash Gordon de Dino de Laurentis.
Tras el recopilatorio de 1981, se editó Hot space, en el que compartieron el tema Under Pressure con David Bowie; el álbum fue criticado por sus más acérrimos seguidores. Tres años más tarde, en 1984, se editó The works, el disco que devolvería a Queen la popularidad perdida. El éxito comercial volvió de la mano del elepé A kind of magic, que contiene el célebre tema Who wants to live forever. El álbum se utilizó en las bandas sonoras de las películas Iron Eagle y Los inmortales. Después de una macrogira saldría el directo Live Magic, y el grupo decidió tomarse un respiro.
En 1989 se lanzó The miracle. El último elepé en estudio editado con anterioridad al fallecimiento de Freddie Mercury, víctima del sida, llevó el título de Innuendo. Tras la muerte de Freddie, Brian May comenzó a editar en solitario, y en noviembre de 1995 se publicó su álbum Made in Heaven, grabado en los estudios de Montreaux, en cuyas proximidades residía el líder del grupo en sus momentos de descanso.




The Police

Grabó los álbumes Outlandos d'amour (1978), Zenyatta mondatta (1980), Ghost in the machine (1981) y Synchronicity (1983). A Sting se debe la composición de los temas más exitosos e inolvidables del grupo: Roxanne, Message in a bottle o Every breath you take. Ese año, tras haber alcanzado en una corta carrera musical la cumbre del éxito, The Police se disolvió sin que se hubiesen revelado manifestaciones de discordia entre sus componentes. Con carácter excepcional, el trío se reunió de nuevo en 1986 para colaborar en una gira en favor de Amnistía Internacional.
A partir de su separación de la banda, Sting comenzó su carrera en solitario, en la que cosecharía nuevos éxitos. En 1985 apareció su primer álbum, The dream of the blue turtles. A éste le siguió en 1986 un doble en directo, Bring on the night. En 1987 se editó Nothing like the sun, uno de sus álbumes más aclamados, y, tres años más tarde, se publicó The soul cages, que fue galardonado con un Grammy. Al mismo tiempo emprendió una intensa labor de concienciación sobre problemas medioambientales, incorporándose en 1990 a las campañas contra la destrucción de la selva amazónica.
Además de sus discos en solitario, participó en trabajos colectivos como The secret policeman's concert (1982) o Lost in the stars (1986), y en la música de las bandas sonoras de Party, party (1982) y Brimstone Treacle (1982). Como actor participó en las películas Quadrophenia (1978), Radio on (1979), Brismstone Treacle (1982), Dune (1984), The bride (1985) y Julia, Julia (1987). En abril de 2004 publicó el libro Broken music, la primera parte de una autobiografía en la que relató su vida hasta la ruptura con The Police.